TIMEBOMB (1991)

Michael Biehn entre dans la peau d’un horloger tranquille qui, subitement pris en chasse par des tueurs, découvre que sa mémoire a été effacée…

TIMEBOMB

 

1991 – USA

 

Réalisé par Avi Nesher

 

Avec Michael Biehn, Patsy Kensit, Tracy Scoggins, Robert Culp, Richard Jordan, Raymond St. Jacques, Billy Blanks, Jim Maniaci, Steven J. Oliver, Ray Mancini

 

THEMA MÉDECINE EN FOLIE

On ne peut pas dire qu’Avi Nesher se distingue par la finesse de ses réalisations (comme en témoignent par exemple She ou Le Double maléfique). Mais il faut lui reconnaître de véritables affinités avec le genre et une volonté manifeste d’en mettre toujours plein la vue au public. La première mouture du scénario de Timebomb, qui s’appelle alors Nameless, est écrite par Nesher en 1988, pendant la grève des scénaristes. Intéressé, le studio MGM verrait bien Chuck Norris ou Jean-Claude Van Damme dans le rôle principal, quitte à gonfler le budget pour pouvoir payer l’une de ses stars. Mais le réalisateur a un autre nom en tête : Michael Biehn. Impressionné par sa prestation dans Terminator, Aliens et Abyss, il parvient à l’imposer en échange d’un budget global beaucoup plus raisonnable que celui initialement prévu. Biehn accepte lui-même de revoir ses ambitions financières à la baisse et se soumet à un entraînement militaire intensif afin de se préparer à un rôle qui s’annonce musclé. Pour lui donner la réplique, on opte pour Patsy Kensit, certes un peu jeune pour camper une psychiatre crédible (elle n’a à l’époque que 22 ans) mais chère au cœur des cinéphiles depuis sa prestation inoubliable dans L’Arme fatale 2. Avec ses deux têtes d’affiche et une enveloppe de 7 millions de dollars à sa disposition, Nesher entend bien en donner au spectateur pour son argent.

Eddy Kay (Biehn), un gars tranquille, sympathique et paisible qui travaille dans une boutique d’horlogerie, intervient lors d’un incendie pour sauver une mère et son enfant prisonniers dans leur immeuble en flamme, ce qui lui vaut un reportage dans les journaux télévisés. Aussitôt, une armada de tueurs particulièrement déterminés se lance à ses trousses pour l’éliminer. Incapable de comprendre pourquoi ils l’ont pris pour cible, Eddy se défend sacrément bien, comme si des réflexes de guerriers étaient profondément enfouis au fond de lui. À partir de là, une série de flash violents – qui ressemblent à des cauchemars éveillés – le saisissent de manière de plus en plus régulière. Il se voit au cœur de scènes de crime sanglantes mêlées à des rêveries érotiques bizarres. Troublé, notre homme se confie à Anna Nolmar (Kensit), une jeune psychiatre qu’il vient de rencontrer. « Quelqu’un d’autre vit dans mon corps », s’exclame-t-il. Alors que la réalité et sa propre identité lui échappent peu à peu, il découvre que son passé est lié à une opération militaire top secrète initiée dans les années 70, le « Bluebird Program ».

« Quelqu’un d’autre vit dans mon corps »

Le concept d’expérimentations médicales visant à modifier le comportement des individus et à les programmer pour les muer en « bombes à retardement » évoque beaucoup Un Crime dans la tête de John Frankenheimer. « Nous avions besoins de guerriers samouraïs » dit à ce propos le colonel à la tête du défunt programme. Si ce n’est que Nesher préfère l’action mouvementée au drame psychologique. De grosses scènes de fusillades, de pyrotechnie et de destructions typiques du cinéma de genre des années 90 ponctuent donc le récit. Certaines d’entre elles se révèlent très inventives, comme l’assaut dans la salle de cinéma ou le combat vertigineux sur le toit d’un hôtel. Les combats aux-mêmes sont brutaux et spectaculaires, chorégraphiés par le cascadeur Yehuda Erez. Le dernier tiers du film assume frontalement son caractère science-fictionnel en remontant aux sources de l’expérimentation, sur un site désaffecté rétro-futuriste qui ne demande qu’à se réactiver, et où des effets visuels numériques maladroits mais inventifs signés Perpetual Motion Pictures évoquent le processus de réinvention des souvenirs. L’évocation du 21ème siècle dans l’un des dialogues laisse d’ailleurs supposer que l’intrigue se situe dans un avenir proche. Bref, voilà un condensé d’action et de science-fiction généreux et divertissant, qui fit à l’époque les belles heures des regrettés vidéoclubs de quartier.

 

© Gilles Penso

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COMPANION (2025)

Trois couples se retrouvent dans une cabane au milieu des bois. La situation semble paisible, mais les choses ne tardent pas à dégénérer…

COMPANION

 

2025 – USA

 

Réalisé par Drew Hancock

 

Avec Sophie Thatcher, Jack Quaid, Lukas Gage, Megan Suri, Harvey Guillen, Rupert Friend, Jaboukie Young-White, Matt McCarthy, Marc Menchaca

 

THEMA ROBOTS

Après avoir marqué les esprits grâce à son premier long-métrage Barbare, Zach Cregger envisage de mettre en scène Companion, écrit par son ami Drew Hancock, scénariste et réalisateur pour la télévision depuis une vingtaine d’années. Réflexion faite, Cregger préfère produire le film et laisser à Hancock le soin de le diriger lui-même. Et si Companion n’a finalement aucun lien direct avec Barbare, un point commun les unit tout de même : dans les deux cas, mieux vaut ne rien savoir du film avant de le regarder pour préserver les multiples surprises que réserve le scénario. On se perd d’ailleurs en conjectures sur la nature de Companion. Est-ce un thriller ? Un film noir ? Un film d’horreur ? Un film de science-fiction ? Une comédie ? C’est volontairement que ce premier long-métrage échappe à toutes les étiquettes, même si l’intention initiale de Drew Hancock était de se lancer dans un pur film de genre. C’est au fur et à mesure de l’écriture que la juste tonalité s’est imposée, quitte à balayer les codes traditionnels ou du moins à les réorganiser sous un jour inhabituel. « Je vois surtout le film comme un drame relationnel », explique l’auteur/réalisateur. « C’est le cœur de l’intrigue. C’est l’histoire d’une rupture, celle d’une femme qui fait face à une relation toxique et tire sa force de la découverte de soi. » (1)

Le film met en scène Sophie Thatcher (Heretic) et Jack Quaid (The Boys) dans le rôle d’Iris et Josh, un couple qui part en week-end dans une maison isolée au bord d’un lac pour y rencontrer leur amie Kat, le couple Eli et Patrick, ainsi que Sergey, le petit ami de Kat qui est propriétaire de la maison. Voilà pour le point de départ. La tonalité est légère, détendue, guillerette même, ce qui n’empêche pas certaines tensions sous-jacentes d’affleurer. Nous n’en dirons pas plus sur l’intrigue, mais ce qui suit risque de révéler quelques points clés. Pour éviter tout spoiler, mieux vaut donc passer au paragraphe suivant. De nombreux indices liés à la véritable nature d’Iris jalonnent le récit dès l’entame, mais ce n’est qu’au bout de 24 minutes de métrage que son statut de robot est ouvertement révélé. Là où l’on aurait pu attendre un schéma narratif classique dénonçant les travers de l’intelligence artificielle et les dangers encours par l’humanité face à un androïde qui deviendrait autonome et prendrait des initiatives, Hancock a la bonne idée d’inverser le processus pour placer la thématique sur un autre plan. Son questionnement est donc le suivant : et si, à force d’être assistés par des machines intelligentes, nous en devenions les esclavagistes, quitte à développer de nouveaux comportements abusifs et immoraux sous prétexte que nous en sommes les « maîtres » ?

Imprévisible

L’atout majeur de Companion est sa capacité à sans cesse rebondir d’une péripétie à l’autre sans jamais laisser aux spectateurs la possibilité de savoir où les emmènera cette intrigue décidément insaisissable. La première surprise est loin d’être la plus importante, dans la mesure où la campagne marketing du film – y compris son poster – a largement laissé deviner au public « le pot-aux-roses ». C’est la suite qui est intéressante, car elle est révélatrice des comportements, des faiblesses et des bassesses, tout en nous interrogeant sur notre propre humanité. Précise, fine mais jamais excessivement maniérée (ç’aurait pu être l’un de ses travers), la mise en scène de Drew Hancock sert à merveille ce récit rocambolesque et laisse toute la latitude nécessaire aux acteurs pour s’exprimer pleinement. À ce titre, les prestations savoureuses de Sophie Thatcher et Jack Quaid emportent immédiatement le morceau et permettent aux spectateurs de s’attacher à eux pour mieux être désarçonnés quelques séquences plus tard. Companion réussit même à éviter le piège dans lequel tombait Barbare lors de son dernier acte – un climax grandguignolesque et peu crédible – pour conserver jusqu’au bout sa cohérence et sa fraîcheur.

 

(1) Extrait d’un entretien publié sur FlickDirect en février 2025

 

© Gilles Penso

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LES INVISIBLES (1906)

Dans le sillage des tours de magie de Georges Méliès, Gaston Velle met en scène un sérum d’invisibilité aux effets burlesques…

LES INVISIBLES / LE VOLEUR INVISIBLE

 

1906 – FRANCE

 

Réalisé par Gaston Velle

 

THEMA HOMMES INVISIBLES

Né en 1868, Gaston Velle, dont le père prestidigitateur Joseph Velle se produisait dans toute l’Europe sous le surnom de « professeur Velle », pratiquait lui-même l’art de l’illusionnisme en professionnel. Sous les conseils du réalisateur Fernand Zecca, les frères Pathé l’engagèrent en 1903 dans le but de concurrencer les géniaux films à trucages de Georges Méliès. Velle se prêta fort bien au jeu, livrant jusqu’en 1911 une cinquantaine de métrages féeriques aux titres aussi éloquents que Le Paravent mystérieux, La Métamorphose du papillon, Le Chapeau magique, Rêve à la Lune ou encore Voyage autour d’une étoile. En 1906, il s’attaquait aux Invisibles (également connu sous le titre Le Voleur invisible). Cette comédie fantastique, qui ne présente qu’une lointaine parenté avec le roman d’Herbert George Wells, tire tous ses gags de la formule d’invisibilité découverte par un savant et contenue dans une bouteille. Le scientifique, son assistant, deux voleurs et finalement un juge boivent tour à tour le sérum.

L’invisibilité s’effectue en fondus enchaînés, puis les réapparitions surviennent brusquement, en « cut ». Traditionnels, ces effets n’en sont pas moins efficaces, s’adjoignant entre autres de câbles pour déplacer les objets, de caches et contre-caches ou même d’animation image par image, toute la panoplie d’effets visuels que John P. Fulton, réutilisera et transcendera pour les cinq épisodes de la saga L’Homme invisible des studios Universal à partir de 1933. Parmi les scènes folles des Invisibles, on se souviendra en particulier de l’intrusion des cambrioleurs chez le savant. Le crocodile naturalisé ouvre dès lors la gueule en remuant les pattes, la grande chauve-souris empaillée bat des ailes et le squelette enfermé dans un placard se disloque et s’anime en pièces détachées.

L’attaque des légumes humains

La théâtralisation extrême du film transparaît à la fois à travers le jeu outrageusement exagéré des comédiens (dont la postérité n’a hélas pas retenu le nom), les costumes dont ils sont affublés, les cadrages en plans larges et les décors, tour à tour grandes toiles peintes, mobilier réel ou découvertes. Au cours de la poursuite finale, les protagonistes courent ainsi sur un tapis roulant tandis que le décor défile derrière eux. Le climax, complètement délirant, voit les juges et les gardes transformés en légumes humains ! Les décors des Invisibles sont signés Hugues Laurent et le directeur de la photographie n’est autre que Segundo de Chomón, grand spécialiste des trucages et pionnier du cinéma d’animation qui fut souvent considéré comme le « Méliès espagnol ». Petit détail : le film est entièrement dénué d’intertitres, preuve que le spectacle qu’il propose se suffit amplement à lui-même sans le moindre besoin de commentaires écrits. Peu de temps après la sortie des Invisibles, Gaston Velle émigrera pour l’Italie, où il œuvrera pour la compagnie romaine Cines, avant de retrouver Pathé Frères l’année suivante.

 

© Gilles Penso

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LA COCCINELLE À MEXICO (1980)

Herbie, la Volkswagen capricieuse, fait un quatrième tour de piste dans cet épisode balourd et anecdotique…

HERBIE GOES BANANAS

 

1980 – USA

 

Réalisé par Vincent McEveety

 

Avec Stephen W. Burns, Charles Martin Smith, Cloris Leachman, John Vernon, Elyssa Davalos, Joaquin Garay III, Harvey Korman, Richard Jaeckel

 

THEMA OBJETS VIVANTS I SAGA LA COCCINELLE

Le concept de la sympathique Volkswagen remportant toutes les courses automobiles au nez et à la barbe de ses adversaires ne pouvait pas être décliné éternellement sous peine de redites. Déjà, Le Nouvel amour de Coccinelle s’écartait du schéma narratif du premier film de la série pour tenter d’autres variantes, avant que La Coccinelle à Monte-Carlo ne repositionne Herbie/Choupette comme championne des circuits. Avec ce quatrième épisode, le réalisateur Vincent McEveety (déjà aux commandes du film précédent) et le scénariste Don Tait (Un candidat au poil, Un cosmonaute chez le roi Arthur) cherchent à varier les plaisirs, ce qui n’est pas une mauvaise idée en soi. Mais entre l’intention initiale et la mise en application, le fossé est hélas gigantesque. Soyons honnêtes : de l’histoire sans attrait à la mise en scène aux gros sabots en passant par les acteurs aux fraises, la musique éléphantesque et les gags poussifs, rien ne va plus dans cette Coccinelle à Mexico qui aura pourtant mis toutes les chances de son côté en employant les gros moyens. Pas moins de 26 Coccinelles sont par exemple sollicitées pour les différentes scènes d’action et cascades du film, y compris un modèle balancé à la mer et jamais récupéré. Mais la quantité n’est pas nécessairement gage de qualité…

Si le scénario tisse quelques liens très fins avec les films précédents, de tout nouveaux personnages prennent vie dans cette troisième suite. Pete Stancheck (Stephen W. Burns) hérite de la Volkswagen Herbie que lui a léguée son oncle Jim Douglas et se rend au Mexique avec son ami Davy « D.J. » Jones (Charles Martin Smith) pour la récupérer. Sur place, ils croisent la route de Paco (Joaquin Garay III), un jeune et malicieux pickpocket des rues, qui leur fait les poches avant de leur indiquer le chemin du garage. Mais Paco a aussi dérobé quelque chose de plus précieux : un microfilm appartenant à des malfrats, qui révèle l’emplacement d’un ancien trésor inca. Pour échapper à ses poursuivants, le jeune garçon se cache dans le coffre d’Herbie. L’aventure mène tout ce beau monde jusqu’à un bateau de croisière en partance pour Rio de Janeiro, où Pete et D.J. comptent participer au Grand Prix du Brésil. À bord, ils font la connaissance de Melissa (Elyssa Davalos), une étudiante en anthropologie, et de sa tante Louise (Cloris Leachman), une femme excentrique déterminée à trouver un mari pour sa nièce.

Panne sèche

Manifestement en panne d’inspiration, la franchise La Coccinelle arrive en bout de course avec cet opus qui n’est que très épisodiquement drôle. L’humour balourd (le type qui se fait piquer son dîner par Paco caché dans Herbie), les stéréotypes embarrassants à l’encontre de la population latino-américaine et les seconds rôles ultra-caricaturaux ne jouent évidemment pas en faveur de cette Coccinelle à Mexico dont une grande partie de l’intrigue, située à bord d’un navire pour touristes, prend les allures d’un épisode de La Croisière s’amuse. Curieusement, deux acteurs habitués au cinéma de Mel Brooks se donnent ici la réplique : Cloris Leachman (Frankenstein Junior, Le Grand frisson, La Folle histoire du monde et Harvey Korman (Le Shérif est en prison, Dracula mort et heureux de l’être). Mais malgré leur grain de folie et leur truculence, la tante excentrique et le capitaine nostalgique de l’époque des pirates qu’ils interprètent respectivement ne parviennent guère à sauver les meubles, pas plus que cette scène d’action absurde au cours de laquelle Herbie (rebaptisée Ocho par le jeune pickpocket qui tient la vedette du film) se transforme en torero dans une arène. En désespoir de cause, le scénariste sollicite les glissades sur peaux de bananes en guise de gag final. Comme on pouvait s’y attendre, les recettes du film sont en chute libre par rapport aux trois premiers films. La saga s’interrompra donc momentanément sur cette note mitigée pour se poursuivre sur les petits écrans à l’occasion de la série Herbie, un amour de Coccinelle.

 

© Gilles Penso

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ONDE DE CHOC (1984)

Après un accident qui l’a rendu aveugle, un homme est équipé d’une vision électronique qui lui permet de traquer un tueur en série…

BLIND DATE

 

1984 – USA

 

Réalisé par Nico Mastorakis

 

Avec Joseph Bottoms, Kirstie Alley, Lana Clarkson, Keir Dullea, James Daughton, Charles Nicklin, Marina Sirtis, Michael Howe, Gerard Kelly, Gerry Sundquist

 

THEMA MÉDECINE EN FOLIE I TUEURS

Ce techno-thriller mâtiné de slasher présente la particularité d’être réalisé par Nico Mastorakis, ancien journaliste et animateur TV grec spécialisé dans les coups médiatiques et les histoires à scandale avant de se reconvertir dans la mise en scène d’épisodes de séries TV. Ses longs-métrages flirtent volontiers avec l’horreur et la science-fiction (Death Has Blue Eyes, L’Île des morts, The Time Traveller). Inscrit dans la même mouvance, Onde de choc aura tendance par la suite à être souvent confondu par le public américain avec Boires et déboires de Blake Edwards. Les deux films n’ont pourtant aucun rapport, mais leur titre original est le même : Blind Date. Cette homonymie a parfois joué en défaveur d’Onde de choc, une curiosité très marquée par les effets de style des années 80 dont le casting féminin mêle plusieurs visages familiers des amateurs de science-fiction et d’heroic-fantasy. Kirstie Alley vient en effet de jouer une Vulcaine mémorable dans Star Trek II : la colère de Khan, tandis que Marina Sirtis s’apprête à devenir la conseillère Deanna Troi dans la série Star Trek : la nouvelle génération. Quant à Lana Clarkson, elle campa une impressionnante guerrière dans Deathstalker – et plus tard dans Barbarian Queen. Visiblement choisies avant tout par Mastorakis pour leur photogénie et leur absence de pudeur, toutes les trois s’effeuillent à tour de rôle en cours de métrage.

Publicitaire américain installé à Athènes, Jonathon Ratcliff (Joseph Bottoms) voit sa vie basculer lorsqu’un accident le rend soudainement aveugle. Incapable d’expliquer médicalement cette cécité, le docteur Steiger (Keir Dullea) lui propose une solution révolutionnaire : un dispositif expérimental qui relie son nerf optique à un radar électronique que John devra toujours porter sur lui. Cet appareil, semblable à un Walkman, traduit les sons en images et lui permet de percevoir le monde sous une forme abstraite, faite de lignes et de reliefs, à la manière d’un jeu vidéo. Alors qu’il apprend à naviguer dans cette nouvelle réalité, Jonathon devient le témoin d’un meurtre. Car un tueur en série sème la terreur dans la ville et vient de frapper à nouveau. Grâce au dispositif dont il est équipé, Jonathon est persuadé d’avoir enregistré des sons qui pourraient révéler l’identité du criminel. Mais lorsque celui-ci réalise qu’il a été repéré, la chasse prend une tournure personnelle : la femme dont Jonathon est épris est désormais sa prochaine cible…

Sous l’influence de Daredevil ?

Mêlant curieusement les codes du thriller, du film d’horreur et de SF, Onde de choc possède un potentiel fascinant qui n’est hélas qu’à peine exploité par un scénario s’autorisant beaucoup de raccourcis. L’accident initial qui provoque la cécité du héros, par exemple, est incompréhensible. Comment peut-on perdre la vue en chutant mollement sur la pente d’une colline ? Il nous faut pourtant accepter ce point de départ pour entrer de plain-pied dans l’intrigue. Certaines séquences, comme celle au cours de laquelle le héros tente d’identifier le véhicule du tueur grâce au son qu’il a enregistré, ne sont pas sans évoquer Blow Out. Mais Nico Mastorakis n’est pas Brian de Palma, et lorsqu’il stylise sa mise en scène, c’est surtout pour céder aux tics des clips musicaux de l’époque. En revanche, la vision électronique dont est doté Ratcliff est une réussite graphique, la sobriété l’emportant judicieusement sur une esthétisation high-tech qui eut semblé peu plausible. Il n’est d’ailleurs pas impossible que le Daredevil de chez Marvel ait inspiré le personnage de Ratcliff. L’intrigue policière elle-même ne transcende pas celle des slashers ordinaires, malgré un parallèle intéressant entre le héros et le tueur, hélas dissipé trop tôt. Onde de choc gâche donc beaucoup de belles opportunités, ce qui ne lui ôte ni son charme, ni sa singularité. Le générique de fin annonce une suite, à la manière des James Bond. Mais le Run, Stumble and Fall qui nous est promis ne verra jamais le jour, et cet Onde de choc restera sans suite.

 

© Gilles Penso

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CAPTAIN AMERICA : BRAVE NEW WORLD (2025)

28 ans après Air Force One, Harrison Ford redevient président des États-Unis tandis que le nouveau Captain America tente d’empêcher un conflit mondial…

CAPTAIN AMERICA BRAVE NEW WORLD

 

2025 – USA

 

Réalisé par Julius Onah

 

Avec Anthony Mackie, Harrison Ford, Danny Ramirez, Shira Haas, Carl Lumbly, Tim Blake Nelson, Giancarlo Esposito, Xosha Roquemore

 

THEMA SUPER-HÉROS I SAGA MARVEL COMICS I MARVEL CINEMATIC UNIVERSE I CAPTAIN AMERICA

À partir de 2021, année au cours de laquelle le studio Marvel entama la diffusion de ses propres séries sur la plateforme Disney +, un lien étroit s’est tissé entre les aventures télévisées et cinématographiques des super-héros de la « Maison des idées ». Pour ceux qui n’étaient pas familiers avec les shows Marvel du petit écran, certaines pièces du puzzle de ce gigantesque univers étendu commençaient à manquer. Sans avoir vu Wandavision, il n’était pas simple de saisir les motivations de la Sorcière Rouge dans Doctor Strange in the Multiverse of Madness. Pour comprendre qui était le super-vilain de Ant-Man et la Guêpe : Quantumania, mieux valait avoir vu Loki. Ceux qui avaient raté Ms. Marvel ne pouvaient pas connaître la jeune Kamala Khan de The Marvels. Captain America : Brave New World suit la même logique mais pousse le bouchon un peu plus loin. En effet, à moins d’avoir suivi les six épisodes de Falcon et le Soldat de l’hiver, difficile d’accepter que le super-soldat à la bannière étoilée ait changé de visage pour prendre celui de Sam Wilson, alias Anthony Mackie. Marvel pousse ainsi à la consommation, tout en reprenant le principe feuilletonnant que Stan Lee avait instauré dans les années 60 en incitant les lecteurs à lire toutes les séries des comics Marvel via une multitude de crossovers.

Captain America est donc désormais équipé non seulement d’un bouclier mais aussi d’ailes quasi-supersoniques et de tout un arsenal qui permet de compenser l’absence de super-pouvoirs. Il est également flanqué d’un sidekick censé nous faire rire et nous émouvoir (un double objectif pas vraiment atteint, avouons-le tout de suite) en la personne de Joaquin Torres (Danny Ramirez) qui devient par conséquent le nouveau Faucon. Cette redistribution des cartes implique aussi l’autre tête d’affiche du film, Harrison Ford, qui entre dans la peau de l’ex-général Ross devenu président des États-Unis. Ford remplace le regretté William Hurt, qui jouait Ross dans L’Incroyable Hulk de Louis Leterrier. Captain America : Brave New World tisse aussi des liens avec Les Éternels via la gigantesque statue céleste à moitié-immergée dans l’océan Indien qui devient ici l’objet de toutes les convoitises, jusqu’à ce qu’un incident international menace de déclencher un conflit mondial. Pas moins de cinq scénaristes sont sollicités pour essayer de mettre un peu d’ordre dans ce chaos et construire une intrigue cohérente. Hélas, l’union ne fait pas toujours la force, et il faut bien reconnaître que le script de ce quatrième Captain America estampillé Marvel n’est pas son point le plus fort. Un certain nombre de rebondissements fonctionnent, certes, mais le gros de l’intrigue, sa structure déséquilibrée et ses longs tunnels de dialogues laissent perplexes.

Service minimum

Étant donné que Julius Onah (The Cloverfield Paradox) assure le service minimum côté mise en scène, en s’appuyant beaucoup sur les animatiques des équipes des effets visuels pour toutes les séquences d’action, il nous semble voir un film techniquement maîtrisé mais sans style ni parti pris. Les combats, séquences de voltige, cascades, fusillades, explosions saturent donc l’écran avec générosité mais nous laissent un peu indifférents. Dans un registre voisin, Captain America : Le Soldat de l’hiver ou Captain America : Civil War nous convainquaient beaucoup plus. Quant à la bagarre musclée entre Sam Wilson et le Hulk rouge, vendue comme le clou du spectacle sur tous les posters et dans toutes les bandes annonce, elle ne manque certes pas de brutalité mais tourne court beaucoup trop vite et s’achève en queue de poisson. L’élément sans doute le plus intéressant du film – même s’il est très sous-exploité – est le « syndrome de l’imposteur » dont souffre Wilson, toujours inquiet à l’idée de ne pas se montrer à la hauteur de l’héritage que lui a légué Steve Rogers. Anthony Mackie n’a rien perdu de son charisme et assume le rôle avec beaucoup de prestance. Harrison Ford, lui, redevient président des USA 28 ans après Air Force One, mais sous un jour plus grincheux et plus renfrogné, dans l’esprit des rôles que l’ex-Indiana Jones a tendance à jouer en pilote automatique depuis qu’il a atteint l’âge vénérable de 80 ans. Voilà donc un épisode raisonnablement divertissant mais pas particulièrement palpitant. C’est le lot de beaucoup de films Marvel, hélas.

 

© Gilles Penso

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THE VAULT (2001)

En explorant les décombres d’un ancien lycée promis à la démolition, des étudiants et leur professeur réveillent une force maléfique…

THE VAULT

 

2001 – USA

 

Réalisé par James Black

 

Avec Java Benson, James Black, Michael Cory Davis, Ted Lyde, Michael G. Maurer, Shani Pride, Austin Priester, Kyle Walker, Parris Washington

 

THEMA FANTÔMES I SAGA CHARLES BAND

The Vault est le dernier opus d’une série de films d’horreur « urbains » que les producteurs Charles Band et Mel Johnson Jr. initièrent à la fin des années 90 dans l’espoir de surfer tardivement sur une sorte de seconde vague de blaxploitation motivée par le succès du rap et du RnB. Après Ragdoll, The Horrible Doctor Bones et Killjoy, voici donc The Vault, qui souffre des mêmes travers que ses prédécesseurs : une mise en forme bâclée, des moyens anémiques, un prétexte surnaturel tiré par les cheveux et un casting cumulant bon nombre de stéréotypes caricaturaux. Confié à Carl Washington, qui écrivit Killjoy, le scénario s’efforce d’intégrer des éléments historiques puisés dans les racines du peuple africain. « J’ai eu du mal à trouver une idée, et puis un jour elle m’est apparue », raconte-t-il. « Cette histoire d’un esclave maléfique m’est venue de nulle part. Cela arrive parfois » (1) Douglas Snauffer (Witchouse 2) rédige le script final avec lui. James Black, acteur ayant alterné les apparitions dans de minuscules séries B (Ozone, Ragdoll, Horrorvision) et de plus grosses productions (Godzilla, Hors d’atteinte, Soldier), hérite de la mise en scène de The Vault qui sera sa première – et seule – tentative derrière la caméra. Le tournage se déroule à Tucson, Arizona, dans un décor délabré qui sied à merveille aux besoins du scénario.

Le film s’intéresse d’abord à un jeune gars qui fait des (très vilains) graphs à la bombe sur les murs décrépits d’un immeuble abandonné. Un gardien le surprend et lui demande de partir, puis le tue avant qu’il ait le temps de libérer quelque chose qui se cachait derrière une porte. Après ce prologue énigmatique, The Vault nous présente ses personnages principaux : un professeur et quatre élèves qui s’apprêtent à visiter un ancien lycée qui doit être démoli. Cette école était jadis un lieu de détention d’esclaves, avant de devenir le Washington High School dans les années 40. Leur but : sauver ce qui peut être sauvé avant la démolition, notamment des archives et des morceaux d’histoire. Nos quatre ados obéissent à tous les archétypes. Nous avons donc là le sportif imbu de lui-même, la cheerleader astucieuse, le « bad boy » sympathique et l’intello trouillard. C’est presque le Breakfast Club de l’horreur ! En arrivant sur place, le prof et ses élèves croisent le gardien bizarre vu dans la scène d’ouverture qui les met immédiatement en garde : « Regardez où vous mettez les pieds et restez loin du sous-sol. » Évidemment, cet avertissement ne sera pas respecté. Deux des lycéens s’aventurent donc dans le sous-sol et cherchent à ouvrir une porte solidement verrouillée, sans savoir ce qu’elle abrite…

« Libérez-moi ! »

Le surnaturel se manifeste d’abord par quelques phénomènes bizarres mis en scène avec une certaine sobriété, comme la phrase « Release me ! » (« Libérez-moi ! ») qui s’écrit seule sur un tableau noir puis s’efface, ces reflets grimaçants qui apparaissent dans les miroirs, ou ces sons mystérieux qui résonnent dans un walkman. Lorsque le fin mot de l’histoire est expliqué, par l’entremise de ce personnage parfaitement improbable de gardien qui sait tout en roulant de gros yeux inquiétants, la perplexité nous gagne. Non pas que l’idée du fantôme revanchard d’un ancien esclave praticien de la magie noire soit plus bizarre qu’une autre. Mais le flash-back qui met en scène l’origine du mal est tellement disgracieux (des images vidéo ultra-granuleuses) qu’il dessert fatalement l’impact du film. Le même récit nous est d’ailleurs raconté deux fois d’affilée, de peur que le spectateur ait été distrait. Si les effets spéciaux numériques sont passables (le surgissement du fantôme aux yeux lumineux, le visage des victimes qui vient orner un tableau suspendu à l’entrée de l’école), quelques morts violentes spectaculaires ponctuent joyeusement le métrage (dont un transpercement par un tuyau qui nous rappelle Parasite ou une tête carrément tranchée en deux). Toujours prêt à faire du travail de recyclage, Charles Band effectuera en 2005 un remontage de Ragdoll, The Horrible Doctor Bones et The Vault pour les transformer en trois segments d’un film à sketches très anecdotique : Urban Evil : A Trilogy of Fear.

 

© Gilles Penso

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SATAN, MON AMOUR ! (1971)

Un journaliste spécialisé dans la musique et son épouse font la connaissance d’un célèbre concertiste aux intentions troubles…

THE MEPHISTO WALTZ

 

1971 – USA

 

Réalisé par Paul Wendkos

 

Avec Jacqueline Bisset, Alan Alda, Barbara Parkins, Curd Jürgens, Bradford Dillman, William Windom, Kathleen Widdoes, Pamelyn Ferdin, Curt Lowens

 

THEMA DIABLE ET DÉMONS

Prolifique producteur de séries TV américaines très populaires (Les Incorruptibles, Le Fugitif, Les Envahisseurs, Les Rues de San Francisco), Quinn Martin souhaite initier un long-métrage pour le cinéma au tout début des années 70, motivé par le succès colossal de Rosemary’s Baby. En quête d’un sujet similaire, il acquiert pour 250 000 dollars les droits du roman La Valse de Mephisto de Fred Mustard Stewart et demande à Ben Maddow (Quand la ville dort, L’Équipée sauvage, Quand la marabunta gronde) d’en tirer un scénario. Le titre du roman – qui est aussi celui du film – provient d’une série de compositions de Franz Liszt écrites entre 1859 et 1885 d’après l’histoire de Faust. La référence fait sens, dans la mesure où il est ici question de pacte diabolique et de musique classique. Pour mettre en scène le film (qui sera bizarrement rebaptisé Satan, mon amour ! en France), Quinn Martin fait appel à l’un de ses fidèles réalisateurs, Paul Wendkos, vétéran du cinéma et de la télévision depuis la fin des années 50 à qui nous devons une dizaine d’épisodes des Envahisseurs.

Myles Clarkson (Alan Alda) a depuis longtemps abandonné ses espoirs de faire carrière comme pianiste de concert pour devenir journaliste musical. Un jour, il a l’opportunité d’interviewer Duncan Ely (Curt Jurgens), un virtuose du piano mondialement reconnu. D’abord distant et un tantinet désagréable, Duncan remarque que les mains de Myles semblent parfaites pour le piano et l’encourage à s’y remettre. Le ton s’allège, le fossé social se comble, et bientôt l’artiste célèbre et sa fille Roxanne (Barbara Parkins) se lient d’amitié avec Myles et avec son épouse Paula (Jacqueline Bisset). Mais celle-ci se montre méfiante. Duncan la met mal à l’aise et Roxanne lui déplaît fortement. Cette attention soudaine qu’on leur porte et cette nouvelle amitié inattendue lui semblent suspectes. « Ils nous observent comme des souris dans un labyrinthe », dit-elle à son mari qui ne voit pas les choses de la même manière et entend bien profiter de l’aubaine de fréquenter ce beau monde. Ce que tous deux ignorent alors, c’est que Duncan et Roxanne sont des satanistes aux sombres intentions…

Le chien à tête d’homme

Si l’impressionnant Curt Jürgens (futur super-vilain de L’Espion qui m’aimait) crève l’écran à chacune de ses apparitions, si Jacqueline Bisset nous offre une interprétation sensible à fleur de peau et si Barbara Parkins excelle dans le registre de l’hypocrisie larvée et de la courtoisie faussée, Alan Alda nous semble en revanche très effacé, sa prestation lisse et sans éclat pâlissant face à celle de ses partenaires. C’est l’un des points faibles du film. L’autre est sans doute sa trop forte aliénation à la trame de Rosemary’s Baby. Ici aussi, en effet, nous sommes en présence d’un jeune couple modeste confronté à des gens fortunés qui forcent un peu leur amitié, jusqu’au développement d’une paranoïa grandissante chez l’héroïne, seule à comprendre l’horreur qui se trame… Wendkos transcende ce schéma connu par une mise en scène inventive multipliant les expériences sensorielles intéressantes, altérant l’image par le choix de focales très courtes, de plongées et de contre-plongées extrêmes ou de flous partiels, le tout aux accents d’une musique atonale angoissante composée par Jerry Goldsmith. Satan, mon amour ! se constelle aussi d’images perturbantes, comme lors de cette soirée d’Halloween décadente, mi-baroque mi-pop, où un chien porte un masque d’homme (ce qui lui donne les allures d’un monstre hybride comme on en verra plus tard dans L’Invasion des profanateurs). On note aussi une allusion à la nouvelle L’Étrange histoire de Benjamin Button de F. Scott Fitzgerald, le temps d’une réplique de Duncan Ely affirmant : « Il faudrait naître à 70 ans et vivre à l’envers. » Même s’il n’est pas totalement convaincant, le film de Wendkos reste un exercice de style fascinant, témoignage d’une époque où les cinéastes s’autorisaient beaucoup de liberté de ton et de style, quitte à désarçonner leurs spectateurs.

 

© Gilles Penso

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JOSH KIRBY : TIME WARRIOR ! CHAPITRE 4 – EGGS FROM 70 MILLION B.C. (1996)

Le jeune voyageur temporel se retrouve cette fois-ci confronté à une nuée de vers préhistoriques amicaux mais très voraces…

JOSH KIRBY TIME WARRIOR! CHAPTER 4 : EGGS FROM 70 MILLION B.C.

 

1996 – USA

 

Réalisé par Mark Manos

 

Avec Corbin Allred, Jennifer Burns, Barrie Ingham, Steve Wilder, Derek Webster, Gary Kasper, Illinca Goia, Carmen Lacatus, Claudiu Trandafir, Steve Blum

 

THEMA VOYAGES DANS LE TEMPS I INSECTES ET INVERTÉBRÉS I SAGA JOSH KIRBY I CHARLES BAND

Arrivée à mi-parcours de sa réalisation, l’ambitieuse saga de science-fiction Josh Kirby connaît une déconvenue imprévue lorsque le studio Paramount décide de stopper son partenariat avec la compagnie de production Full Moon et de ne plus distribuer ses films sur le marché de la vidéo. Les cordons de la bourse se resserrent donc, les budgets – déjà très étriqués – se réduisent d’avantage et les équipes de production quittent les lieux de tournage roumains pour une réunion de crise aux Etats-Unis. Il n’est certes pas question d’arrêter la série en cours de route, mais une certaine réorganisation s’impose. Entretemps, Ernest D. Farino, qui devait réaliser le quatrième opus, n’est plus disponible, puisqu’il est chargé de superviser les effets visuels de Planète hurlante au Canada pour Christian Duguay. Fort de son expérience réussie sur le film d’épouvante érotique Huntress : l’esprit de la nuit pour Full Moon, Mark Manos le remplace, même si ce type d’aventure fantastique tout-public est très éloigné de son univers. « J’avais à l’époque un jeune fils, et j’ai pensé qu’il serait amusant de faire un film qu’il pourrait regarder », explique-t-il. « Voilà pourquoi j’ai donné mon accord, même si les sensibilités nécessitées pour un Josh Kirby sont assez différentes des miennes » (1).

Alors qu’ils voyagent dans le temps pour récupérer les composants du Nullifier, redoutable artefact extra-terrestre qui ne doit surtout pas tomber entre de mauvaises mains, Josh Kirby (Corbin Allred), le professeur Irwin 1138 (Barrie Ingham) et la guerrière Azabeth Siege (Jennifer Burns) découvrent des grands œufs fixés sur la coque de leur vaisseau spatial. Irwin détermine qu’ils datent de 70 millions d’années avant notre ère. Lorsque ces œufs éclosent, c’est pour donner naissance à des dizaines de vers mignons avec de gros yeux, des antennes et des museaux arrondis. Apparemment inoffensives et particulièrement affectueuses, ces bêtes montrent en revanche un appétit redoutable pour toutes les matières métalliques. En un clin d’œil, elles dévorent ainsi une partie du vaisseau qui, en difficultés, s’écrase sur une planète inconnue. Or en émergeant de l’engin, nos héros découvrent qu’ils ont atterri sur la terre d’origine d’Azabeth, le monde des Kang. Les humains étant les ennemis jurés des Kang, Irwin et Josh sont emprisonnés tandis que la guerre fait rage sur place et que les lignes de défense locales sont affaiblies par la voracité des vers préhistoriques lâchés dans la nature…

Un ver de trop…

Les invertébrés amateurs de métal sont donc les attractions principales de cet épisode. Animées comme des muppets par l’équipe de Mark Rappaport, ces bestioles ne sont pas du tout réalistes, ce qui n’est pas gênant dans la mesure où le film assume pleinement leur caractère cartoonesque. Ces vers farceurs reviennent régulièrement tout au long de l’histoire pour dévorer tout ce qui leur passe entre les mâchoires, influant sans le vouloir sur la guerre galactique qui se joue entre les humains et les Kang. Il n’est pas simple de reconnaître ici l’esthétique chère à Mark Manos, mais le cahier des charges est évidemment sans comparaison avec ses travaux précédents et notre homme doit se conformer à l’esprit de la saga co-réalisée jusqu’alors par Ernest Farino et Frank Arnold. En quelques rares instants, Manos stylise pourtant sa mise en scène, comme lorsque la caméra s’attarde lentement sur une nuée de débris jonchant un sol désertique et crépusculaire jusqu’à révéler le maléfique Zoetrope, échoué avec la carcasse de son armure sur une planète inconnue. L’un des aspects les plus intéressants de cet épisode est le dilemme vécu par Azabeth Siege qui, du reste, est sans conteste le personnage le plus attrayant de cette saga inégale. Quant à Josh Kirby, il se découvre de nouveaux pouvoirs surprenants dus à son statut de voyageur temporel. Moins cheap que l’épisode 3, Eggs From 70 Million B.C. bénéficie de décors plus convaincants (parce que souvent ramenés à quelque chose de simple et primitif), d’une mise en scène plus précise et d’enjeux plus resserrés, à la hauteur des protagonistes. Le final nous promet une nouvelle aventure improbable, située cette fois dans une grotte peuplée par des hommes-champignons !


(1) Propos extraits du livre « It Came From the Video Aisle ! » (2017)

 

© Gilles Penso

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BETTER MAN (2024)

Dans ce biopic de Robbie Williams surréaliste et excentrique, la pop star est remplacée… par un chimpanzé !

BETTER MAN

 

2024 – GB / USA / CHINE / FRANCE / AUSTRALIE

 

Réalisé par Michael Gracey

 

Avec Robbie Williams, Jonno Davies, Steve Pemberton, Alison Steadman, Kate Mulvany, Frazer Hadfield, Damon Herriman, Raechelle Banno, Tom Budge

 

THEMA SINGES

« Je me suis toujours senti moins évolué que les autres », avouait Robbie Williams au moment de la sortie de Better Man (1). De là à développer l’idée d’un film qui retrace sa carrière en remplaçant son personnage par un singe, il y a tout de même un fossé que la superstar s’est empressée de franchir avec la bénédiction de son réalisateur Michael Gracey, signataire du très remarqué The Greatest Showman. « J’aime ce qui est excentrique, insolite et surréaliste, et ça m’a paru totalement logique lorsque Michael me l’a proposé. Je doute que ce film ait autant fait parler de lui sans la présence du singe » (2) Effectivement, ce biopic serait probablement passé inaperçu s’il s’était contenté d’emprunter une voie plus traditionnelle, d’autant que sa mise en chantier peut à priori sembler un peu présomptueuse. Après tout, Williams n’a que 51 ans. Sa carrière, si prestigieuse soit-elle, méritait-elle qu’un film entier s’y consacre ? Ça ne tombait pas sous le sens. Il était bien sûr très difficile de convaincre un grand studio de se lancer dans un pari aussi fou. Le financement de Better Man aura donc été assuré par des acheteurs indépendants du monde entier sollicités par la société de vente Rocket Science avant que Paramount n’accepte finalement de l’acquérir et de le distribuer. Pour le meilleur et pour le pire…

Pour construire le film, Michael Gracey utilise de nombreux entretiens qu’il a réalisés avec Williams pendant un an et demi dans son studio d’enregistrement de Los Angeles. Ces interviews servent non seulement à établir la structure du récit mais aussi à le nourrir d’une voix off spontanée et vivante – celle de la star elle-même. Le parti-pris de Better Man est de couvrir trois décennies de la vie de Williams, depuis ses débuts dans le boys band Take That jusqu’aux sommets de sa carrière solo, en passant par de nombreuses périodes de crises et d’incertitudes. Gracey reconstitue donc l’Angleterre des années 80, 90 et 2000 et sollicite Jonno Davies – équipé d’une combinaison de performance capture – pour incarner le chanteur. Les artistes de Weta Digital sont ensuite chargés de transformer l’acteur en singe, ce qui lui donne quelques airs de familles avec le jeune Cesar de La Planète des singes : les origines. Ce primate est clairement une vue de l’esprit, puisque tous les autres personnages du film sont humains et se comportent sans jamais se référer au caractère simiesque du héros.

Bête de scène

Ce projet atypique, qui pourrait passer de prime abord pour un ego trip à 110 millions de dollars, est en réalité plus complexe qu’il n’y paraît. Car si la trame narrative suit assez sagement celle d’un biopic classique, voire d’un documentaire (impression renforcée par la voix off de Robbie Williams qui nous guide pas à pas au fil de son parcours), le recours aux codes de la comédie musicale pour traduire les pensées et les tourments du héros, ainsi que la virtuosité fulgurante de plusieurs morceaux de bravoure (le clip en plan-séquence dans la rue sur la chanson « Rock DJ », la séquence de l’accident de voiture), transportent le film dans une autre dimension. Le choix de remplacer la star par un animal anthropomorphe, quant à lui, ne se contente pas de colorer bizarrement l’histoire mais lui donne presque les allures d’un conte de fées déviant, une sorte de Disney trash avec alcool, sexe et drogue. Better Man est donc un objet filmique définitivement « autre », une sorte de docu-fiction lyrique combiné avec un épisode de La Planète des singes. Mais il s’agit aussi d’une introspection restituant bien les incertitudes, le manque de confiance en soi, la lente dépression et les pulsions autodestructrices de Williams. En ce sens, le film prend presque les atours d’une séance de psychanalyse. Better Man était décidément trop insaisissable pour plaire. D’où ses résultats catastrophiques au box-office. Il n’en demeure pas moins que sa démarche reste surprenante, touchante, déstabilisante… et surtout sacrément culottée.

 

(1) Extrait d’une interview parue dans Variety en décembre 2024.

(2) Extrait d’une interview diffusée sur The One Show en décembre 2024.

 

© Gilles Penso

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